Questo uccello iconico è il martin pescatore. Sono affascinato dai colori del martin pescatore e dalla sua natura misteriosa. Un soggetto fatto per l’acquerello? È un uccello che amo dipingere e a cui continuo a tornare. Quindi diamo un’occhiata.
Il Riferimento
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Ciò era dovuto alla posizione dell’uccello. Il modo in cui la testa è rivolta verso l’interno rispetto al corpo lo rende molto più interessante per me che se la testa e il corpo fossero rivolti nella stessa direzione.
Mi è piaciuto anche il fronte arancione brillante splendidamente illuminato e la parte superiore della testa, e il modo in cui contrastava con i colori molto più profondi e scuri della parte posteriore e dell’ala. Penso che gli accenti bianchi luminosi sul viso lo manterrebbero vivace e fresco tra tutto ciò.
Pensare davvero a cosa ti ha attratto verso un argomento è così importante. Questo ci mantiene concentrati e ci impedisce di essere distratti dai dettagli e dal superlavoro.
Faccio del mio meglio per mantenere queste idee iniziali e la scintilla dell’ispirazione mentre dipingo!
Un ultimo punto è che possiamo essere completamente fedeli al riferimento o al soggetto; o come in questo caso, possiamo semplicemente usarlo come punto di partenza per il dipinto. Come vedrai, gran parte del dipinto finale viene creato, anziché copiato. Questo è divertente! Hai sempre l’immagine a cui fare riferimento o per ottenere dettagli o aiuto con le aree.
Materiali
Blocco di carta gommato formato A4
Una taglia davvero divertente. Abbastanza grande da lasciarsi andare con la vernice ma non troppo opprimente. I blocchi gommati sono ottimi per la semplicità di preparazione!
Ci sono molti giornali che amo. Al momento, mi piace particolarmente la carta per acquerelli professionale Winsor & Newton. È abbastanza umido da poter essere utilizzato per lavori da bagnato a bagnato. Tuttavia, può essere utilizzato anche per dettagli più fini, se necessario.
Tuttavia, in questo particolare dipinto utilizzo una delle mie altre carte preferite che è Cansons, Moulin Du Roy Watercolor Paper. È un’ottima scelta per i colori e sembra anche vivace e pulito.
In questo particolare ho sezionato una porzione su cui lavorare perché volevo un formato quadrato.
Pennelli
I miei pennelli sono gli Escoda Ultimo Mops di varie dimensioni.
Contengono una meravigliosa quantità di acqua e pigmento e hanno una sensazione molto vivace, ma arrivano anche a un bel punto sottile.
Ho un mocio taglia 18 e una taglia più piccola 12. Questi sono abbinati a un pennello rotondo più piccolo ed elastico per coprire piccole aree o qualsiasi dettaglio. Il set di pennelli Alvaro castagnet Escoda Ultimo è il mio set di pennelli principale per la maggior parte dei miei dipinti. Anche se preferisco i pennelli Pro-Arte Prolene, quello più piccolo è il mio preferito.
Colori
I colori trasparenti sono la mia scelta preferita. Danno all’acquerello una luminosità meravigliosa, che è una delle cose migliori. Inoltre, facilita la miscelazione dei colori scuri.
I colori opachi sono meravigliosi, ma li riservo per schizzare nei lavaggi ad asciugatura per aggiungere consistenza e per fare una pennellata sfacciata per sollevare piccole aree se necessario.
Anche se ci sono molti marchi che amo, Daniel Smith Watercolors o Holbein sono i miei preferiti.
Questo dipinto è stato realizzato utilizzando:
- Blu cobalto (anche l’oltremare sarebbe una buona opzione)
- Phthalo Blue (freddo e leggermente verdastro, molto forte, adorabile e chiaro quando è chiaro)
- Rosso chinacridone
- Permanente/Rosso Naptol
- Nuovo giallo Gamboge
- Giallo aureolina
- Aussie Red Gold (Colore Daniel Smith)
- Arancio brillante
- Turchese
Il Disegno
Come sempre comincio prima con le forme più grandi. Il corpo e la testa sono i più importanti. Mi chiedo qual è la forma complessiva. Come si confronta la testa con il corpo? Che angolo hanno la testa e il corpo? Miro a forme semplici ma accurate.
Una volta che sono soddisfatto delle forme, posso iniziare ad aggiungere le forme più piccole come il ramo, il piede e il becco. Dopodiché, comincio a scomporre le forme più grandi in quelle più piccole. Controllando continuamente la proporzione e l’accuratezza, e anche la relazione spaziale di ogni forma più piccola, immaginando le linee orizzontali e verticali da pinte di riferimento chiave per vedere cos’altro si allineano. Una linea che corre verso l’alto dal punto in cui il corpo incontra il bordo anteriore del piede si allinea perfettamente con il centro.
È l’angolo delle grandi forme e delle piccole forme che danno all’uccello il suo carattere e il suo gesto. Immagina che il becco venga disegnato orizzontalmente, verso il basso o meno orizzontalmente. L’intero carattere e la sensazione dell’uccello sarebbero cambiati. Non necessariamente in peggio, ma è sempre bene fare di questi cambiamenti una decisione consapevole piuttosto che un incidente.
Gli ultimi ritocchi possono includere alcuni segni e occhi.
Il disegno è lì come guida e qualcosa su cui fare affidamento. Non sento di doverlo attenere rigidamente.
Il Dipinto
Passo 1
Con una consistenza del tè New Gamboge Yellow, comincio con l’arancia dell’uccello. Poiché lo trovo più interessante, provo a lasciare delle forme astratte sul bianco della mia pagina. Possono rappresentare molto bene le aree chiare e le luci, ma non devono necessariamente rappresentare letteralmente nulla.
Dopo che il giallo si asciuga, aggiungo una consistenza di latte intero più densa al centro e poi la stessa quantità di arancia alle ombre. Alla fine aggiungo un tocco di rosso e porto la consistenza allo spessore della crema e lo faccio cadere in alcune delle aree più scure.
Questo è il mio tentativo di creare una forma arrotondata spostandomi dalla parte superiore del petto in basso a destra. In questo modo bagnato su bagnato si creano bei colori fluidi. Se riesco a ottenere quest’area al primo passaggio, tanto meglio.
I colori scorreranno meno se il lavaggio è asciutto e/o più denso quando il pigmento e l’acqua vengono mescolati nel pennello.
Passo 2
Mentre l’area arancione è ancora umida, ho infine applicato alcune pennellate di crema doppia densa scura. Era composto principalmente da rosso permanente e un po’ di blu ftalo. L’area arancione è ancora umida, quindi il colore scuro può essere leggermente più ammorbidito ma non si scioglie completamente nell’arancia.
Mescolo tutte le primarie in un composto rossastro che scende al piede e al ramo. Branch è una semplice forma astratta creata con rapide pennellate che sembrano quasi una firma.
Mentre il ramo è ancora umido, applico un po’ di Phthalo Blue sullo sfondo. Va bene avere dei bordi morbidi tra lo sfondo e il ramo.
Spesso mi piace lasciare che i colori si uniscano, tuttavia con questo martin pescatore volevo mantenere l’arancione e il blu molto separati e puliti, quindi aspetto che l’arancione sia completamente asciutto prima di passare al blu del dorso e delle ali.
Comincio con una leggera miscela di Pthalo e molta acqua. Mentre si asciuga, aggiungo alcune miscele più scure, anche un tocco del più freddo giallo Aureolin in alcuni punti per aiutarlo ad avere una sensazione più verde. Lascio asciugare il bucato nel punto in cui è spazzolato in alcuni dettagli più fini delle piume che rimarranno come vengono messe ma avranno anche una leggera morbidezza.
Spezzo il colore dal retro e lo unisco al precedente lavaggio di fondo. Mentre tutto questo è ancora umido sullo sfondo, scendo in miscele sempre più forti (meno acqua) sul blu. Per alcuni schizzi davvero scuri, aggiungo un po’ di rosso al mio Pthalo.
Il verdissimo Pthalo e un caldo rosso arancio sono così opposti sulla ruota dei colori che si annullano a vicenda e danno gli scuri più meravigliosamente profondi, ma colorati e vivaci.
Passaggio 3
Una volta che il blu sul retro è asciutto, blocco anche in una semplice forma astratta più scura sulla spalla. Questo dà alla spalla un po’ più di forma, ma crea anche una forma più nitida e rigida che è superiore ad alcuni dei lavaggi più fluidi.
Spostandomi sulla testa prendo esattamente lo stesso processo e colori dal retro. Leggero e acquoso, mentre si asciuga lentamente scendendo in toni più scuri per creare forma.
Per ottenere segni di pennello rotti sulla testa, utilizzo tratti molto brevi per assicurarmi che la carta bianca sia visibile. Questo aiuta con la sensazione dei segni e anche la luce scintillante che colpisce le piume sulla testa. Fondamentalmente una piccola variazione di consistenza.
È facile lasciarsi coinvolgere dai segni sulla testa. A questa scala, il dipinto non ti apprezzerà per questo.
La versione più semplice di un’area è ciò a cui miro sempre. Come posso dare un’indicazione o un accenno di ciò che sta accadendo? Non credo che dovrei dipingerlo esattamente come mostra la foto.
Per rimuovere qualsiasi dettaglio, offusco gli occhi o socchiudo gli occhi. Poi provo a dipingere forme semplici come le vedo. È più facile iniziare in modo semplice e poi diventare più complicato in seguito (cosa che raramente accade). L’acquerello è difficile se non impossibile, ma è possibile farlo con facilità.
Passaggio 4
Per aggiungere alcuni segni più scuri, uso la misura rotonda da 10 poiché la testa è quasi asciutta. Questi verranno aggiunti al sito.
Per finire il blu della testa mescolo un’unica crema di Phthalo blue e uso dei semplicissimi colpi di pennello per cercare di accennare ai segni. Lo uso solo nelle aree d’ombra e miro a qualche accenno di strisce come segni. È anche importante considerare come i segni avvolgono la forma di una data area.
Le aree arancioni del viso vengono eseguite molto semplicemente spazzolando con un po’ di giallo, quindi una volta asciugate un po’ lasciando cadere un tocco di crema più densa, a spessore singolo o arancione. Questo crea una piccola varietà di toni e rende le cose un po’ più interessanti.
È ovvio che il viso è il punto focale principale. Quest’area può essere migliorata con più dettagli, più variazioni di tono e più contrasto. È qui che voglio trovare un equilibrio tra aree più grandi e ventilate e aree più piccole e dettagliate. Questi tipi di aree opposte sono i miei preferiti.
È molto facile fare un occhio. Mescolo un colore scuro cremoso (di solito rosso e blu) e riempio l’occhio ma lasciando un semplice punto luce bianco. Usa un pennello asciutto per estrarre un po’ di pigmento dall’occhio inferiore. Un modo semplice e veloce per creare una vita simile a un occhio o sicuramente una vita abbastanza simile o questo dipinto su questa scala.
Dopo che il blu è stato rimosso dal viso, viene asciugato. Il tondo piccolo viene utilizzato per aggiungere alcune sottili forme più scure per creare l’illusione che ci siano segni o sottili variazioni tonali.
Le aree bianche intorno agli occhi sono state lasciate sole. Per aggiungere interesse, mescola un tono medio oscuro e un po’ di calore viola con esso. Quindi posiziona alcuni segni attorno ai bordi.
È importante non diventare troppo scuro o pesante troppo presto. È importante mantenere l’area schiarita utilizzando una varietà di colori come arancioni, blu e molti bianchi. Ciò mantiene l’area vivace e fresca.
Il becco è l’ultimo pezzo del puzzle.
Mi sforzo molto, senza esagerare e complicare le cose qui più facilmente a dirsi che a farsi, e l’ho fatto esattamente in molte occasioni.
Se sfogo gli occhi, qual è la versione più semplice del becco? È diviso a metà, con la metà inferiore più scura. Il bordo inferiore è più scuro di quello del blu dietro.
Lascio la metà superiore così com’è. Per intrappolare la luce dal becco e separare il dorso dell’uccello dallo sfondo, aggiungo un blu più scuro in alto.
Per dargli un aspetto più sottile e delicato, aggiungo solo alcuni segni alle narici una volta separate.
Inserisci la firma e il gioco è fatto.
Conclusione E Ripensamenti
La mia missione era creare un piccolo acquerello divertente con un sacco di carattere per l’uccello. Dovrebbe sembrare leggero e vibrante.
Per tutto il tempo penso, come posso renderlo il più semplice possibile?
Per attirare l’attenzione sulla testa, ho deciso di renderla più definita e raffinata. Volevo anche dargli più dettagli, forme più piccole e più contrasto. In questo modo sapevo che avrei potuto farla franca lasciando altre aree molto più suggerite con bordi più morbidi e persi.
Gran parte dell’acquerello riguarda semplicemente il godersi il mezzo, lasciare che faccia le sue cose e soprattutto divertirsi mentre esplori il tuo soggetto. Tutto il tempo senza aver paura di allontanarsi dalla foto di riferimento e porre la domanda, cosa vuole il dipinto?. Invece di ossessionarti per farlo sembrare esattamente come la foto del soggetto, concentrati su ciò che desideri.
Dopotutto, una delle mie citazioni acquerellate preferite, di Joseph Zbukvic, è:
Perderai ogni volta che sarai in competizione con il tuo soggetto
Sarai un acquerellista più felice se fai tuoi il soggetto e il dipinto.
Spero che questo articolo ti sia piaciuto e l’abbia trovato utile. Se l’hai fatto, potresti anche dare un’occhiata al mio tutorial sull’acquerello di colibrì dell’inizio dell’anno.
Tom Shepherd ha iniziato la sua carriera artistica creando opere d’arte personalizzate per chitarre con pennarelli per graffiti. Tom è passato a un pennello e ad altri mezzi tradizionali e non ha guardato indietro.
Mentre Tom ama dipingere un’ampia varietà di soggetti, soprattutto se la luce sta facendo qualcosa di interessante, è sempre attratto dal luogo in cui si sono incontrate le sue prime due passioni; dipingere animali selvatici, in particolare uccelli.
Il lavoro di Tom è ora ampiamente raccolto, e ancor di più a livello internazionale. È stato in diverse occasioni un finalista altamente elogiato nel Wildlife Artist of the Year di fama mondiale.
Puoi scoprire di più su Tom, sui suoi dipinti e tutorial sul suo www.tomshepherdart.com
